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    在创新中继承弘扬戏曲文化传统

    发布时间: 2007/10/15 9:51:29 被阅览数: 次 来源: 中国文学网
    文字 〖 〗 )
    【作者】安 葵 


      如何解决继承传统和发展革新的关系,在戏曲创作中是一个永恒的课题。理论家为此争论不休,剧作家艺术家在创作实践中无法回避这一问题。他们为此付出了艰苦的劳动,通过对这一问题的探讨,又能激发剧作家艺术家的创作灵感,得到丰硕的收获。获得“五个一工程”奖的许多优秀作品在这方面可以给我们宝贵的启示。 

      通过重新阐释,赋予古典剧作和传统剧目以新的生命 
      中国戏曲有大量的古典剧作和传统剧目,这是我们的宝贵财富,也是进行新的创造的坚实基础。但是因为古典剧作和传统剧目产生于古代,必然具有那个时代的特点和局限,特别是在思想观念方面,会有很多与今天的时代精神不合。在戏曲产生以后的长期历史发展中,也形成了不断改编前人作品的传统,新中国建立后我们更自觉地进行“推陈出新”。但是有些剧目改编的难度很大,《赵氏孤儿》就是一部不易改编的作品。 
      《赵氏孤儿》描写春秋时期晋国程婴等人牺牲自己救出了赵家的孤儿并向屠岸贾复仇的故事。作品表现一群古代的英雄义士为了伸张正义,或者杀身成仁,或者忍辱含垢,或者赴汤蹈火,舍己救人,体现了主人公不屈的意志和自我牺牲精神,有强烈的悲剧色彩,王国维说它“即列之于世界大悲剧中,亦无愧色也”(《宋元戏曲史》)。然而这个戏的思想观念与今天的观众也有相抵触处。一是用自己的孩子的生命去替换赵氏孤儿的生命的行为是否值得肯定;二是这种血腥的复仇是否有意义。因此近年也有“颠覆性”的改编,写赵氏孤儿知道真相之后,认为这与他没什么关系,当然这种改编也受到质疑,因为它蔑视传统的价值观,消解了原著的崇高。 
      豫剧《程婴救孤》对《赵氏孤儿》的改编却得到了普遍的赞扬。其成功的原因主要在于既保留了原著的精神,又对它的主题作了新的阐释。由原著的强调忠奸斗争、家族仇恨改变为强调正义与邪恶、善良与残暴的斗争,特别是改编本充分地揭示了主人公痛苦的心灵。演员李树建的精彩表演和唱腔把人物的内心委屈与痛楚表现得淋漓尽致,有强烈的感染力量。一篇评论说:“改编者似乎重在调动观众情绪不是‘仇’意,而是‘痛’意。”我认为很有见地。古人的轻生死,重然诺,重信义,是令人钦佩的,但他们的内心世界是怎样的?这需要揭示。《程婴救孤》的创作者努力寻找与当代观众思想情感的共鸣点,演员的唱念也像是对观众倾诉,使观众能理解人物的行为和思想,能为之感动,这便赋予了古典作品和传统剧目以新的生命。 

      塑造新的艺术形象,使古老剧种焕发青春 
      京剧等古老剧种经过长期的历史发展,在艺术上达到高度成熟,唱腔表演都有一套比较严格的程式。这又使它变得比较凝固,表现新的生活显得困难。历史上许多有革新精神的艺术家都是通过塑造新的人物形象来寻求突破的。在今天,剧作家艺术家又发扬了这一传统。上海京剧院创作演出的历史剧《廉吏于成龙》便起到了激活传统,使古老的京剧融入时代的作用。于成龙是一个真实的历史人物,曾被康熙皇帝称为“天下廉吏第一”。这样的人物在封建社会必然遭到排斥与误解,他也必须与周围的顽固腐败势力进行斗争。但是作品没有把于成龙写成抬着棺材上殿的海瑞,他不是时时横眉立目,而是一个既坚持原则又能巧妙应对、具有幽默感的人物。扮演于成龙的花脸演员尚长荣此前曾在《曹操与杨修》《贞观盛事》中成功地塑造了曹操和魏征的艺术形象,这一次塑造的于成龙又有鲜明的个性,富有人格魅力,使观众觉得亲切可爱。 
      出于塑造人物形象的需要,《廉吏于成龙》在化妆、表演等方面也都有新的变革。比如人物不画脸谱、念白不用韵白等等,但保留和发挥了京剧节奏感鲜明、程式性强的特点和优势,因此京剧独有的韵味有充分的体现。其它古老剧种表现新的人物的作品在形式的变革上有不同的情况,但保持和增强剧种特有的韵味又使其具有新鲜活力是大家共同的努力方向。 
      京剧藏戏《文成公主》、京剧《妈祖》《血胆玛瑙》《天马歌》,川剧《巴山秀才》《欲海狂潮》等也都通过塑造新的艺术形象在剧种的继承与革新的关系上作了积极的探索。观众通过作品塑造的这些新人物既欣赏到京剧、川剧等古老剧种的淳厚的美,也看到了这些古老剧种发展创造的潜能,感到它们洋溢着时代的美。 
      《文成公主》写唐代文成公主进藏促成汉藏团结和睦的历史故事。汉族演员扮汉人,唱京剧,藏族演员扮藏人,唱藏剧。这是一种前所未有的大胆的创意。它的好处是两族的演员都能够把剧中人演得很真实,而且符合历史实际,更难得的是两种语言,两个剧种的音乐,能够非常和谐地统一在一起,它本身就显示了两种文化的交融。 

      吸收其他民族民间文化的营养,丰富戏曲的表现力和感染力 
      中国戏曲的各个剧种在发展中总是不断进行新的综合,吸收新的生活素材和姊妹艺术以丰富自己。但吸收什么,怎样吸收,是一种复杂的选择和创造过程。吸收得不合适,或没有与原来的东西很好地融合,对剧种的发展就没有什么意义,也不会被观众所接受。因此,湖北荆门艺术剧院创作演出的花鼓戏《十二月等郎》以及甘肃省陇剧院创作演出的陇剧《官鹅情歌》的经验特别值得重视。 
      花鼓戏是一种与当地语音紧密结合、唱腔表演又比较自由的剧种。看花鼓戏《十二月等郎》,我们感到,它似乎更自由了(如有许多无伴奏吟唱),但韵律性却更强了,特别是创作者赋予了演唱和表演形式以更多的情感的内涵,就使它具有更多的美学意味。 
      它的这种艺术魅力是怎样取得的?主要在两个方面。一是编剧、导演和音乐、舞美等创作人员认真深入生活,能深刻理解群众的喜怒哀乐。编剧盛和煜和导演张曼君前些年曾为荆门创作过花鼓戏《闹龙舟》,这对创作《十二月等郎》是重要的艺术积累。他们对荆门的群众生活有较深的了解,这次又下功夫观察体验群众生活的新的变化,他们的许多创作灵感是在田边地头与群众的交流中产生的。 
      第二是他们创造性地吸收了当地民歌等姊妹艺术的营养。整部作品以民歌《十二月等郎》为结构框架,而且以这首民歌的情感构成整部戏的基调。民歌作为一种非物质文化遗产在长期的传承过程中积淀了群众的情感,具有深入人心的特点。《十二月等郎》的曲调又与荆门花鼓比较接近,所以把它吸收融合进来既很和谐又增强了戏曲的艺术感染力。从戏曲创作的角度说,吸收非物质文化遗产中的姊妹艺术的成分是一种有效的革新创造。 
     
    编辑:管理员

    表现多元写真现实 戏剧小品的面孔在改变
    一本难得的好书:《中国戏曲文化史论》

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